HISTORIA DE HOLLYWOOD

Hollywood es indiscutiblemente la meca del cine mundial, es donde el cine es una súper industria multimillonaria. Sin embargo, y a pesar de su popularidad en todo el globo, muy pocos conocen sus verdaderos orígenes, desde las épocas en que filmar en Hollywood era una aventura y hasta la llegada de Wall Street y su definitiva transformación en una monstruosa factoría de películas. La creación de Hollywood tubo mucho que ver con la guerra de patentes entre las productoras, esta dio como resultado la creación de la ciudad como la meca del cine norteamericano. En 1913 Jesse Lasky y Sam Goldfish habían decidido realizar la producción de películas. Eligieron como proyecto la adaptación de una pieza teatral “The Squaw Man” estrenada en Broadway en 1905, compraron los derechos en 4.000 dólares. Convocaron al actor de teatro Dustin Farnum como protagonista, lograron la colaboración de Cecil B. DeMille, quien hasta ese entonces jamás había visto una cámara. Con 15.000 dólares de capital el rodaje se iniciaría en Nueva Jersey, pero luego cambiaron de plan para evitar a los inspectores del trust y decidieron viajar hacia el oeste, hasta acabar en Los Angeles. Allí alquilaron un granero  por 75 dólares al mes e instalaron un precario estudio de filmación. Una vez terminada la película se dieron cuenta que las perforaciones del celuloide no eran adecuadas con los proyectores por lo que tuvieron que modificarlas manualmente. Finalmente y con seis cortes en la proyección el film fue estrenado en el teatro Longacre de Broadway, el 17 de febrero de 1914. A partir de allí comenzó el régimen de doble mando entre 2 ciudades Nueva York y Hollywood, separadas. En Hollywood se aposento la producción con grandes estudios, inversiones inmobiliarias, infraestructura, operarios, sueldos etc. Nueva York era el centro administrativo y financiero de la industria, base de la exportación de la películas, publicidad, o tratos con el gobierno. Nueva York fue siempre la autoridad superior, decidiendo el lanzamiento o producción de las películas. Este sistema se mantuvo durante décadas. También influyó el poder de los bancos que financiaban parcialmente el cine, y vigilaban su inversión examinando recaudaciones, proyectos de rodaje, ingresos etc. Uno de los principales bancos en financiar la industria fue el Bank of Italy de los hermanos Giannini. Los exhibidores de cine comenzaron a tener cada vez más poder, algunos empezaron a comprar teatros, construir otros y establecer cadenas de salas que cubrían todo el país. Entre ellas el grupo Loew´s de Nueva York propietaria de la mayoría de las acciones de MGM, también estaban las cadenas Stanley de Filadelfia y Washington, Balaban & Katz de Chicago, los hermanos Saxe de Milwaukee, Finkelstein & Runin de Minneapolis, North American de San Francisco y Seattle y West Coast de Los Angeles. Construyeron verdaderos palacios entre ellos el Strand, Rialto, Rivoli, Capitol, Roíz y el Grauman´s Chinese Theater. Este modelo de distribución y exhibición fue copiado por Francia, Inglaterra e Italia. En muchos casos invertían capitales norteamericanos en la creación de salas de cine en el extranjero para fomentar el cine de aquel país a modo de embajadores, de hecho es común ver salas con nombre como Paramount, Metro o Roxy. Esta inversión era para asegurarse  fechas y plazos de exhibición para las películas norteamericanas en el extranjero. La extensión de la red de salas tuvo una gran dificultad con la llegada del cine sonoro que implicaba equipamiento adicional para cada sala. Hubo que hacer tremendas Inversiones y los exhibidores comenzaron a presionar a los productores. Toda esta estructura no sería rentable solo con unos pocas películas por año. Por eso la ampliación de la producción de películas fue causa y consecuencia a la vez del crecimiento de las redes de distribución. Para alimentar a las cadenas de cines se hizo un determinado diagrama o plan anual de producción que llegaba a docenas de títulos. De esto derivó la venta por paquetes o lotes (Block-booking), ideado por la Paramount de la mano de Adolph Zukor. Esta táctica consistía en que si una sala quería adquirir los derechos de las películas de una determinada estrella (Fairbanks, Valentino, Pickford) debía adquirir otros 10, 20 o 30 títulos adicionales de la misma productora. Esto ayudaba además a quitar fecha y lugares de exhibición para los títulos de la competencia. Debido a esta practica las películas independientes quedaron fuera de lugar.En los mercados extranjeros se produjo una gran penetración del cine de Hollywood, que aun llega hasta nuestros días. El block-booking continúa hasta nuestro días y se ha expandido al mundo del vídeo y la televisión. Es decir, ciertas prácticas del cine norteamericano de los inicios de hollywood se mantienen perdurables hasta nuestros días.

En los años 10 nació el star system hollywoodense a raíz del conflicto entre la MPPC y los independientes, quienes para promocionar sus películas aprovecharon el interés del público en determinados actores o actrices. Este alcanza su esplendor entre los años 20 y 30 con la llegada del cine sonoro. Casi todas las estrellas del período intentarán su incursión en el medio independiente, de hecho en 1919 deciden la creación de la United Artist, productora y distribuidora propiedad de los actores, por otra parte para luchar contra las estrellas, los productores crearán los productos All-star, que no utilizan actores de renombre y que promocionaban sus producciones utilizando el prestigio del director y el interés de la trama.

La llegada del cine sonoro provocó el retiro de los principales divos del cine mudo e introdujo la llegada de una nueva generación de actores procedentes del teatro, que terminarían volcando el poder nuevamente hacia las manos de los productores. Surgen figuras femeninas que aprovechan su belleza física para atraer a la audiencia, acróbatas, magos, campeones deportivos o atletas, que son seducidos para la realización de producciones.

Además del western y el serial tenemos las llamadas comedias de tartas de crema. Vemos la aparición de estrellas que repiten diferentes roles en distintas películas como Búster Keaton, Harold Lloyd. Las estrellas tenian que poseer determinadas cualidades físicas y Morales, no podían ser feos, tímidos o ridículos. También existian divos cómicos como Charles Chaplin cuyas apariciones en público atraían a multitudes . Con la llegada del cine sonoro se paso de los héroes de acción y aventura a los héroes de la pasión y el erotismo, los latin lovers como Rodolfo Valentino o Douglas Fairbanks . Esto marcara un importante cambio en el discurso hollywoodense sobre femineidad y sexualidad, con una transformación de los valores culturales y sociales, el hombre comienza a desempeñar un rol de objeto erótico para el público femenino.

Cuando los productores comienzan  valorar cualquier elemento que sea garantía de éxito en taquilla, crece la figura del director, el hombre detrás de la cámara. El caso más emblemático en este aspecto, es Erich Von Stroheim, este genial director muestra en sus películas interés por lo extremo (traiciones conyugales, aspectos brutales u oscuros) temas a los que el público no estaba acostumbrado. La figura de Stroheim es recordada por sus enfrentamientos con los divos de la época como Gloria Swanson o John Gilbert, no le gustaban los altos contratos de las estrellas ya que significaban restricciones en el presupuesto de las produciones. Algunos de los realizadotes más respetados y admirados de Hollywood, fueron, King Vidor  que logró sobrevivir a la revolución del sonoro y prolongó su carrera hasta los umbrales de los años 60, igual que Lubitsch, Sternberg, Borzage, Wellman o Raoul Walsh, todos ellos pertenecen a la categoría de los directores destinados a pasar  por la prueba del cine sonoro y ver acrecentada su popularidad en los años 30.


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